Takashi Honma

　今年の夏、ここニューヨークで何とも珍しい写真集が出版されました。「First, jay comes.」と題されているものの、表紙にはそのタイトルが見当たらず、初めの頁に日本語で「最初にカケスがやってくる」とだけ記されている不思議な構成。写真の内容も、抽象的なペインティングが織り交ぜられており、これまでにない斬新な印象を受けました。（新人の作家かな？）その名を確かめるとさらにびっくり。「東京郊外」「東京の子供」でおなじみの現代写真家、ホンマタカシだったのですから。出版社は大手ではなく、知る人ぞ知るハッスラ・ブックス社。（大手出版社から作品を発表してきたホンマさんが、なぜインディペンデント出版社を選んだのだろう？）すっかり興味をそそられた私は、オーナーであるデイビッド・ショアナー氏を訪ね、お話を伺いました。

　一ファンとして、いつの日かホンマさんと仕事がしたいと熱望していた彼は、その思いを一通のメールに託しました。サイズや頁数等にとらわれない体裁で、値段は誰でも手の届きやすい設定に。写真界では異色ながらも、出版社としての確たる信念と、新たな挑戦へ向かうホンマさんの開拓精神がひとつに繋がった結果、「First, jay comes.」が生まれたのですね。

　２人のやりとりは全てメールで行われ、写真のレイアウトや構成の一切をホンマさんに任せたそうです。アーティストの感性を最大限に引き出し、個性を守ろうとする写真哲学。作品集＝本ではなく、あくまで本自体が作品であり、アートである。商業主義とは一線を画し、芸術そのものを出版しているのだと。ショアナー氏から大切なものを教えられた気がします。

Pinhole Camera

　ここニューヨークでも、日本のそれと同じように、秋はとっても気持ちのよい季節。カメラを片手に街を歩けば、おだやかな陽光と空気が優しくもてなしてくれる。そんな「写真日和」の晴れた午後、私はコンパクトカメラを携え、地下鉄の駅に向かっていました。せわしなく人が行き交う出入口付近、地下へと降りる階段にさしかかると、人の流れに抗うかのように何もせず、ただ立っているだけの黒人男性が目に留まりました。（彼は何をしているのだろう？）階段の途中で踵を返し、彼の足下に見えたのは木製の四角い箱。ピーンときた私は思わずたずねました。「ピンホールカメラですね？」

　日本では「針穴写真」とも呼ばれるピンホールカメラ。レンズではなく、暗い箱にあけた針穴を通して景色を映し込み、画像を定着させる仕組みです。ラテン語で暗い部屋を意味する「カメラ・オブスクラ」の原理と同じく、カメラの原点ですよね。技術を追い求めデジタル化が進むと、一方でアナログへ回帰する人が現れるように、デジタルカメラの普及に伴い、昔ながらのカメラを楽しむ人が近年増えてきたように感じます。

　階段を昇り降りする人たちを撮っていた黒人男性は、写真学校のアシスタント講師。時間を見つけてはピンホールカメラで作品を撮り続け、ウェブサイトの写真サークルで発表しているそうです。そういえば私も、以前に印画紙の箱でピンホールカメラを作ったことを思い出しました。あれも確か秋のこと。カメラの原理におどろき、感動したのを覚えています。

　彼のひたむきで楽しげな表情とおだやかな秋の陽気が、私の記憶を呼び覚ましたのでしょうね。

Aaron Siskind

　分野を問わず、創作活動のプロセスにおいて、畑違いの芸術家や作品からインスピレーションを得ることは多分にあるかと思います。ところが写真家に限ってみると、他分野のアーティストに影響を与えたというエピソードは意外にも少ないようです。それでもひとり挙げるとすれば、彼の名はアーロン・シスキンド。

　ウィリレム・デ・クーニやジャクソン・ポロックといった抽象画家たちがシスキンドに共感。現代アートの巨匠、ロバート・ラウシェンバーグの作品にも、彼に通ずる表現が感じられます。1991年、享年87歳で幕を降ろしたシスキンドの写真人生を辿ってみましょう。

　ニューヨーク・フォト・リーグ所属の1930年代、ハーレムを映したドキュメンタリー写真で名を馳せたものの、1943年以降は作風を大幅にチェンジ。ストリートのありふれた光景の中から、剥げたペンキや壁などの近影が主になったようです。クローズアップした被写体でグラフィカルな模様を表現し、より抽象的な作風へと移行していきました。もともと英語教師であったシスキンドは写真家教育にも積極的。1950年に出会ったハリー・キャラハンの誘いもあってイリノイ工科大学で教鞭をとり、晩年にはロードアイランド・デザイン学校でも教えていたそうです。

　先日、チェルシーのギャラリーで彼の作品を目にしました。オリジナルのネガから新たにプリントしたもので、港のロープや、ペンキの剥げた壁シリーズが展示されていました。モノクロ写真とはいえ、どれも時代を感じさせない新作のよう。これを見た新鋭アーティストたちは、何を感じとるのでしょうね。

Fashion Photography

　今年は特に、ファッションにまつわる写真展を多く見かけます。春に開かれたICPの展示会では、テアシートと呼ばれる雑誌の切り抜きをパネル貼りにしたファッション写真が集められ、５月に入ると、米国ファッション写真界の巨匠「リチャード・アヴェドン」の写真展が開幕。メトロポリタン美術館でも、ファッションモデルに焦点を当てた写真展が開催されるなど、近年まれにみる盛況ぶりです。写真史に輝くリチャード・アヴェドンやアービング・ペンらに続けとばかりにカメラを構える気鋭の作家たち。次世代を担うファッション写真家として、どのような名前が知れ渡るのでしょうか？

　目下のところNo.1、欧米における売れっ子ファッション写真家といえば、スティーブン・マイゼルでしょう。80年代からすでに目立った活躍を見せ、イタリア版「ヴォーグ」のカバー撮影を毎号担当。世界の一流ファッションブランドの広告を手掛けています。

　2000年前後に頭角を現した男女コンビ。カップルで活動するイネス・ヴァン・ラムスウィード＆ヴィヌード・マタディンは、さらなる飛躍が期待される写真家ではないでしょうか。共にオランダ出身で現在はニューヨーク在住。M/MParisというアートディレクター２人組とのコラボレーションにより、独創的なイメージを創り出すのが特徴です。

　イコンと呼ばれる歴史に残るような写真には、作家のみならず、ヘアメイクやスタイリスト、アートディレクター、ひいては時代の顔となったモデルの影響が感じられます。関わった全てのアーティストによる「美の結晶」なのでしょうね。

There has been many fashion photography exhibitions this year. This past Spring at International Center of Photography, there was a show in which tear-sheets from fashion magazines were up on the walls. Then there was another one on Richard Avedon in May. At the Metropolitan Museum, there was an exhibition focused on fashion models.

Who would be the next generation photographers followed by the historical fashion photographers such as Richard Avedon or Irving Penn?

At this moment, the most influential fashion photographer would be Steven Meisel. He has been making iconic fashion images since the 1980s. He has worked on number of advertising campaigns for top fashion brands, and he has also created every cover and editorial stories for each issue of Italian Vogue.

New York based Inez van Lamsweerde and Vinoodh Matadin are a Dutch fashion photographer duo who have started emerging around 2000. Their unique and inventive photographs are created by collaborating with M/M Paris.

I believe that iconic images in history are made possible by not only photographers but also by hair stylists, make up artists, art directors, and models. They all work together to create a perfect image.

Hiroh Kikai

　チェルシー地区に集まる一流ギャラリーのなかでも、新たな才能を求めるオーナーたちがいます。いわずとしれた著名な作家をメインに扱いながら、才能の発掘・育成にも積極的。写真専門でいえば、ヤンシー・チャードソン・ギャラリーが有名ですね。先ごろ開かれた写真展「ペルソナ」では、浅草ポートレイトで名高い鬼海弘雄さんの作品が登場。ニューヨークで彼自身２度目となる個展のオープニングに、さっそく足を運んできました。

　ダイアン・アーバスに触発されて写真を始めたという彼の哲学的なアプローチは、浅草を行き交うクセのある人々がとても印象的。正面からハッセルを構え、シンプルな背景に浮き立たせた力強いポートレイトを目の当たりにすると、往年のアウグスト・サンダーに通ずる哲学が感じられます。鬼海さんのインスピレーションは多岐にわたり、ロシア文学を代表するアントン・チェーフォフ、アンジェイ・ワイダや今村昌平などの映画監督からも影響を受けています。

　そんな彼の人柄は、たいへんフランクな方のようです。急な写真撮影のお願いにも気さくに応えてくださり、写真集にサインを求めるファンがいれば、時間をかけて丁寧に対応していたのが印象的でした。浅草で知らない人に声をかけ、撮影に挑むのは勇気がいるかと思いますが、彼の人間に対する愛情が安心感を与え、初対面でも軽やかに話せるのでしょうね。

　日本ではすでに確立された感のある鬼海さんの挑戦は、海を越えてまだまだ続きます。ICPで昨年開かれたグループ・ショウの多大な反響もあり、米国でのさらなる飛躍が期待されている作家です。

Even some established galleries in Chelsea's Art District in Manhattan, owners are always looking for new talents. While they represent recognized artists, they eager to find emerging artists and provide assistance. Yancey Richardson Gallery is one of such photo galleries.

Hiroh Kikai, who has yet to receive recognition in the US thought he is widely known in Japan, had a solo show "Persona" at Yanchey Richardson Gallery in June 2009. I attended the opening, which was his second solo exhibition in New York.

His approach to photography is philosophical, and his portraits of awkward people in the Asakusa district of Tokyo are very imposing. He holds his Hasselblad right in front of the subjects and asks them to pose in front of the blank wall of the Sensoji Temple, which isolates the figures and emphasizes their particularity. His photographs remind us of August Sander's work. He draws inspirations from Anton Chekhov the great Russian writer, Andrzej Wajda the legendary Polish film director, and the Japanese film director Shohei Imamura.

Despite my sudden request, Kikai was kind enough to allow me to photograph him. Also he was very friendly to his followers who asked for his autograph, and he responded to their questions with respect. It requires courage to approach strangers for photographing, however I wonder if he makes them comfortable with his generous heart.

He has been making great strides since his group show at International Center of Photography in 2008, and I believe that he is the next prospective Japanese artist in the US.

Harper's Books

　マンハッタンから東へ、車で走ること約3時間。ニューヨーカーの避暑地であるハンプトンは、俳優や政治家、セレブの別荘が立ち並ぶ海辺の街。多忙なニューヨーカーも、夏場は金曜を半日勤務にしたり、隔週で金曜が休みになる「サマー・フライデー」を利用して3連休にしたり。学校も6月から3ヶ月間は夏休み。ハンプトンの夏の週末は、ニューヨーカーで大賑わいです。

　ブック・ディーラーのハーパー・レヴィーン氏は、そのハンプトンで写真ギャラリーを兼ねた書店を経営しています。主に写真集を扱い、日本人作家の作品もたくさん見られます。彼曰く「日本人の写真は、力強く際立っている」のだそうです。

　ニューヨークで知られている日本人写真家の名前を挙げるとすれば、森山大道、荒木経惟でしょうか。若い写真家では、川内倫子も人気があります。現代アーティストに目を向けると、杉本博司の名前が一番に挙げられるでしょう。レヴィーン氏は、そういった大物作家の写真集から、レア・ブックと呼ばれる入手困難なものまで、稀覯本を中心に扱っています。吉田ルイ子の「ハーレム」、細江英公の「鎌鼬」がガラスケースの向こうに並んでいました。

　レヴィーン氏がもっとも楽しみにしているのは、ニューヨーカーにまだ知られていない作家を発掘し、その名を世に広めること。年に1～2度は日本を訪れ、神保町の古本屋を覗き、コレと思った写真集を見つけてくる。高梨豊、中平卓馬の名前を挙げてくれました。いちばんのお気に入りは、北井一夫なんだとか。それらの本は、平均400ドルから2,000ドル（4～5万円から20～30万円）で販売します。ウェブサイトでも扱っていますが、新たに本を入手すると顧客にメールで知らせ、個別に予約を受けて取引するそうです。

　ブック・ディーラーを始めて10年になるレヴィーン氏。以前はノン・フィクション作家だったと言うからおどろきです。大好きな写真集を集めているうちに、趣味が高じてビジネスにしたなんて、何だか羨ましいですね。話しに夢中になる彼はとっても楽しそうで、ハンプトンの海に反射する陽光のように輝いて見えました。

The Hamptons are popular seaside resort towns for New Yorkers, which are located about 80 miles east of Manhattan. There are vacation houses owned by politicians, actors, actresses, and celebrities. The towns are full of New Yorkers during summer.

A book dealer, Harper Levine, owns a bookstore/ photography gallery in East Hampton. He handles and specializes in photography books including Japanese photography books. He says that Japanese books are bold and outstanding.

Well known Japanese photographers among New Yorkers are, I would say, Daido Moriyama or Yoshinobu Araki. Rinko Kawauchi is getting popular. Hiroshi Sugimoto is an influential artist in the contemporary art world. Mr.Levine collects not only such popular artists' books but also rare books. In the glass case, I saw photography books such as "Harlem" by Ruiko Yoshida and "Kamaitachi" by Eiko Hosoe.

What Mr.Levine enjoys the most is to discover artists and to spread them out in the world. He visits Japan once or twice a year and walks around Jimpo-cho, the antiquarian bookstore district in Tokyo, looking for potential books. He gives names such as Yutaka Takanashi or Takuma Nakahira, and his favorite is Kazuo Kitai.

These rare books are sold for $400 to $2000. They are available online, but he sends out regular customers an e-mail as new books come in and meets them by appointment.

He has been in this business for 10 years now. It is surprising to hear that he used to be a non fiction writer. He has become a book dealer while collecting his favorite photography books. I can see how he enjoys his business.

Reality Check at The Metropolitan Museum

写真の真実性

　英題「リアリティー・チェック」と冠された企画写真展がメトロポリタン美術館で開かれ、「コンテンポラリー写真に於ける、真実と幻想」という副題の通り、写真の「両義性」にスポットを当てた興味深い写真が展示されていました。それらの作品は、コンピューターなどで手を加えられたり、作られたり（セット・アップ）することなく、ありのままを写した写真です。そんな「真実」の世界にも、どこか「虚構」の世界が感じられる作品の数々。真実と幻想のなかで、特に印象に残った作品をご紹介します。

　「カルフォルニアのランチョ・ミラージュで起きた水鉄砲の後」というジョエル・スターンフェルドの代表作。カルフォルニアの大自然を背景に、水害からギリギリで逃れた家々と車が一枚写真の上半分に写され、下半分には、水鉄砲に襲われて埋もれた車が写っています。カミソリのように薄い刃の一線で二分された世界（写真）が印象的です。

　杉本博司の「シロクマ」というモノクロ写真は、アメリカ自然史博物館に展示されたシロクマを撮った作品です。剥製であることを知らずに写真を見ると、あたかも北極で撮影されたように映りますが、「近距離でのシロクマ撮影は不可能では？」といった相反する考えも浮かび、何とも不思議な感覚に囚われました。

　トーマス・ディマンドの作品では、紙で工作した実物大の世界を写真にしています。窓越しの机にはハサミやテープが置かれ、その後ろではカーテンが風に揺れる。柄のない世界が無機質な空気を作り、紙で作られた世界であるものの、写真に写された世界は、実際にそこにある物なのです。

　真を写すと書いて「写真」と言いますが、写真は見方によって様々である事を考えさせられた写真展でした。

A special exhibition "Reality Check" was up at the Metropolitan Museum of Art. As its subtitle "Truth and Illusion in Contemporary Photography," the show was curated based on photographic duality. None of the images were manipulated by a computer or made up, and they were photographed as they were. However, each image has a unrealistic or surrealistic feeling to it.

Here, I would like to introduce three strong images from the show.

One of Joel Sternfeld's signature photographs, "After a Flash Flood, Rancho Mirage, California, July 1979", captures a surrealistic landscape. It ironically shows two different worlds which is divided by a razor thin line. A buried car in the disaster is on the bottom half of the image, and on the other half you see a parked car in front of a housing complex with beautiful mountains on the background.

Hiroshi Sugimoto's black and white photograph of Polar Bear is from his series, Dioramas. It looks as if he photographed at the North Pole and makes you wonder how he could photograph the polar bear at this close distance. In fact, it is a stuffed animal in the Natural History Museum in New York.

Thomas Demand creates three-dimensional paper scenes and photographs them. "Attempt" is one of the signature images. In the photograph, tapes, scissors, and codes are placed on a desk by the window where you can see the leaves of a tree. It even looks as if a gentle breeze flutters the curtain. Its patternless and simple scene makes the inorganic world, and yet its artificial world exists in realty.

We write "capture the reality" for the word photography in Japanese, however this exhibition makes me wonder what the reality is.

Annie Leibovitz

　アメリカ人女流写真家、アニー・リーボヴィッツをご存知ですか？ジョン・レノンが裸でオノ・ヨーコと横たわっている写真と聞けば、ピンとくる方も多いのでは。弱冠20歳の頃、70年代からローリング・ストーンズ誌においてロック・ミュージシャンを撮り始めたアニーは、83年にファッション誌「ヴァニティー・フェア」の表紙、さらに93年からはヴォーグ誌の撮影も担当。俳優や作家、政治家、スポーツ選手など数多くの著名人を撮り続け、表紙を独創的に飾っています。

　そんな彼女の、写真への想いが綴られた「アニー・リーボヴィッツ・アト・ワーク」という本が、2008年末に出版されました。

　まず序説には、意訳すると次のような文章が書かれていました。「サンフランシスコ芸術大学では絵画を専攻していました。夏休みにフィリピンの米国空軍に勤める父親を訪ね、近国の日本へ家族旅行に行きました。その旅路で、生涯初のカメラとなる『ミノルタSRT101』を購入したのが写真の道へ入るきっかけとなりました。カメラを持って最初にした事は、富士山への挑戦。その山登りで、カメラに対する尊敬の念を抱きました。このカメラで生きて行くとしたら、それが何を意味するのか、カメラ無くして写真は存在しない。富士山を登り、大自然と向き合う中で、カメラと生きて行く自分の姿を見たように思います。」

　その後、抽象的な絵画から現実的な写真へと学科を変更した彼女は、「学校では、テクニックなんて学ばなかった。大切なのは、どうやって見るか、という事だって」と語っています。ローリング・ストーン誌でミュージシャンを撮っていた頃は、こう振り返っています。「何を撮るかっていう対象物（ミュージシャン）が問題ではないの、重要なのは"写真"なのよ」

　ニューヨーク在住のアニーの作品は、世界中の美術館やギャラリーで展示され、写真集も出版されています。それらを通して、彼女の語る「写真哲学」に触れてみませんか？

Annie Leibovitz is a well known female photographer in the United States. You might recognize one of her famous photographs of a naked John Lennon embracing Yoko Ono which was shot for the cover of Rolling Stone magazine.

She started taking photographs of rock musicians for Rolling Stone magazine in the 70's when she was only 20 years old. She has been photographing for Vanity Fair magazine since 1983, and for Vogue magazine since 1993.

She describes her relationship to photography and the creative process in her recently published book, "Annie Leibovitz At Work". Here is a quote from the prologue:

"I was a third -year student at the San Francisco Art Institute when my pictures began appearing in Rolling Stone. I had enrolled there as a painting major in the fall of 1967. My father was by then stationed in the Philippines, at Clark Air Base, the largest American military base overseas. It was the main support base for soldiers coming in and out of Vietnam. During the summer after my freshman year, while I was staying with my family at the base, I visited Japan with my mother and some of my brothers and sisters. I bought my first real camera in Japan, a Minolta SR-T 101. The first thing I did with it was take it on a clime up Mt.Fuji.

Climbing Mt.Fuji is something very Japanese does at some point, but it's harder than you might think. I was young, and I started up the mountain fast. I didn't konw about pacing. My brother Phil was even? younger - he was thirteen - and he ran ahead of me. Phil disappeared. The camera felt like it weighted a ton. It was awkward. It got heavier the higher we went. After a while I was pretty sure I wasn't going to make it, but just then a group of elderly Japanese women in dark robes came marching along in single file. They were chanting in an encouraging way and I fell in behind them. We passed Phil at the seventh way station. He was lying flat on his back.

When you climb Mt. Fuji you stay overnight at the eighth weigh station and get up in the morning so that you can reach the top at sunrise. It's a glorious moment. Spiritually significant. When I got to the top I realized that the film situation. I photographed the sunrise with the two or three frames I had left.

I took this, my first experience with a camera on the road, or path, as a lesson in determination and moderation, although it would be fair to ask if I took the moderation part to heart. But it certainly was a lesson in respecting your camera. If I was going to live with this thing, I was going to have to think about what that meant. There weren't going to be any pictures without it."

After returning from the trip, she changed her major from painting to photography. She said?in the book that she wasn't ready for abstraction and wanted reality. She recalls what she leaned at school: "We were taught that the most important thing a young photographer can do is learn how to see. It wasn't about the equipment we were using. I don't remember being taught any technique."

Looking back on her days photographing musicians for Rolling Stone magazine, she says that the subject was inconsequential; the  "photograph" was what mattered most.

Annie, the New Yorker, has exhibited in museums all over the world and has multiple photography books to her name. So you see, the Gospel according to Annie Liebovitz is only a heartbeat away for anyone who is interested.

International Center of Photography

　ニューヨーク唯一の写真美術館「インターナショナル・センター・オブ・フォトグラフィー」（通称ICP）は、1974年、コーネル・キャパにより創設されました。彼の実兄は「マグナム・フォト」の設立で有名な、ロバート・キャパ。兄のロバートをはじめ、デビッド・シーモアなど今は亡き写真家たちのドキュメンタリー作品を集め、後世に残す必要がある。そう感じたコーネルは、より多くの人に見て欲しいという願いを結実させ、ICPの創設に至りました。

　アッパー・イーストサイド地区の5番街。レンガ作りの歴史的建造物を改良し、初代ICPが誕生しました。オープンから10年を経た1985年、写真界のさらなる発展に伴い、ミッドタウン地区の6番街に展示場所を拡張。初代の建物は、フォトグラフ新時代の到来と共に、1999年、閉館しました。その後、6番街の展示スペースを増設した新館が2000年秋に完成。建物の向かいには学校を併設し、写真家の育成に力を注いでいます。

　現在ICPでは、報道写真の他にもアート写真やコンテンポラリー、ファッション写真、ビデオワークに至るまで幅広い作品を楽しむことができます。3年に1度、「ICPトライアニュアル」が開催され、すでに確立された作家だけでなく新進作家の作品も扱い、新しい芽を育てています。

　ニューヨークを訪れる機会がありましたら、ぜひ足を運んでもらいたい美術館です。

International Center of Photography (ICP) is the only photographic museum in New York City. It was founded in 1974 by Cornell Capa whose brother was Robert Capa, the well known Magnum photographer. After the deaths of his brother Robert Capa and his colleagues Werner Bischof, Dan Weiner, and David Seymour in the 1950s, Cornell saw the need to keep 'Concerned Photography' alive and keep their work relevant and visible to the public eye. This is how ICP was created.

The first ICP was cited on 5th Avenue and 94th Street. One of brick wall housings was used as a museum. In 1985, they opened the second facility on 6th Avenue Midtown to help enormous growth in its exhibitions, collections, and education.

The Uptown ICP was closed in 1999 as arrival of new generation of photography, and they expanded the Midtown ICP for new media with climate control systems or digital presentation systems. Their education for photography is also expanded both its programming and community outreach.

Their collections of photographs are broad, not only documentary photography but also contemporary, fashion, and video works. They help emerging artists as well as established photographers to create new images at their Triennial Show.

I would like you to visit ICP while you are in New York.

William Eggleston

　「ガレージ前の三輪車の写真」と言えば、ウィリアム・エグルストン。この作品は、彼の、ひいては70年代ニューカラーのイコン的な写真ですね。1939年に生まれ、今年で70歳を迎えるエグルストンが、ニューカラー写真の歴史を作ってきたと言っても過言ではないでしょう。この冬、米国内における自身初の回顧展が、ホイットニー美術館で開かれています。

　回顧展に先立ち、「W」という女性ファッション誌の11月号に、エグルストンのインタビュー記事が載っていました。その中の引用で、いかにも彼らしい、こんな言葉があったのです。「この写真について、どのような“意味”があるか、なんて野暮な事を聞かないでくれ。何も語るような事はないよ、だって全てが写真に写されているじゃないか」ごもっとも！コンセプチュアル写真が出てきた昨今ですが、エグルストンの、写真に対する純粋な気持ちが表れていると感じました。

　さらに今から4年前、2005年に「William Eggleston in the Real World」というドキュメンタリー映画が公開され、ニューヨークでのプレミアに、エグルストンが招待されました。その時のコメントでも、やはり心に残っている言葉があります。「いくつもあるカメラの中から、どのようにしてカメラを選び、撮影に挑むのか」という質問に対し、彼はこう答えました。
「手を伸ばして、そこにあったカメラを選びます」

　テネシー州メンフィス生まれのエグルストンの写真には、その土地のありのままの風景、そこに生活する人々が、飾られる事なく映し出されています。カラー写真を志す写真家は、どこかでエグルストンの影響を受けているのではないでしょうか。かくいう私も、彼の作品を見るといつも、写真への素直な気持ちが湧いてくるのです。

"A picture of a tricycle in front of the garage." You know which photograph I am referring to and who the photographer is. Yes, it is William Eggleston's iconic photograph that launched New Color Photography in the 1970s. Born in 1939, Eggleston will be 70 years old this year. He is one of the photographers whose name is synonymous with New Color Photography, the movement.

His very first retrospective was held at the Whitney Museum in the winter of 2008 - 2009. I found an interesting article on Eggleston in the November 2008 issue of W magazine. In that article, there was a quote which described him very well.

- Don't bother asking what, if anything, his photographs "mean". "There's not much to talk about because all the information's really in the picture, each one." he (Eggleston) says. - by Julie L. Belcove

I agree with Julie. There's  too much talk about conceptual photography nowadays and the above quote allows the purity of the photograph to take center stage.
In 2005 I attended the premiere of "William Eggleston in the Real World," a documentary film. Eggleston gave a talk after the film and I still remember what he said when someone asked him how he decides which of his many cameras to take on a shoot.  "I pick the first one in reaching distance," was his answer. 

Memphis-born Eggleston's photographs of the south depict a landscape populated by everyday people doing ordinary things without fanfare. It may not be preposterous to say that photographers who work in color have all been influenced, large and small, by Eggleston's craft . As for myself, each time I come across his work, I find that it recharges my honest-to-goodness appreciation of photography itself.

New York Art Book Fair

　ここニューヨークには、数多くの書店が軒を並べています。ビルの全フロアを占めるほどの大型店、各種専門店や古本屋、個人経営に至るまで、店舗のスケールや形態は実にさまざま。その中でも、アーティストに好まれているのが、大手出版社はさておき、自費出版やインディペンデントの小さな出版社が手がけるアート関連の本。ギャラリーが集うチェルシーの一角、アート専門店「プリンティット・マター」には、芸術心を刺激する書籍が所狭しと並んでいます。

　そのプリンティット・マターが主催する「ニューヨーク・アート・ブック・フェア」は、2008年の秋で3年目を迎えた本の祭典。サザビーズやクリスティーズにも比肩するオークションハウス「フィリップ・デ・ピュリー＆カンパニー」にて開催されました。チェルシーの写真スタジオも入る建物の3階フロアを独占。アート関連を主とするインディペンデントの出版社・雑誌社から、書籍を扱うアート・ギャラリー、骨董本のディーラーまで、世界中から140社以上が集まりました。

　フェアに出展していた「ハッスラ・ブックス」のオーナーである、デイビッド・ショアナー氏に話を伺いました。薄い冊子のような写真集を出版していて、社名はスウェーデン在住の家族が経営する、農場の名前から来ているのだとか。ボストンで写真を学んだ後、今から2年前にマンハッタンのアルファベット・シティー地区にスタジオを設立。デジタル写真のリタッチ業務の傍ら出版社を立ち上げ、自分の作品やお気に入りの写真家の作品をセレクトし、写真集の構成からデザインまで一手に引き受けているそうです。アーティストと1対1で制作に取り組み、作家らしい作品の要素を喚起させる出版物を作り上げています。印刷した500部の本は、アート専門店で販売したり、ウェブサイトで流通させているそうです。

　プリンティット・マターは、ブレイン・ストームとなるばかりでなく、インディペンデントで活躍する出版社やアーティストたちを支援する役目もあるんですね。

There are a variety of bookstores in New York, from big ones that occupy a whole building to independently run specialty bookstores. Artists tend to like independent book stores where they can find self-published and small press  art books. "Printed Matter" is one such book store. It is a unique book store in Chelsea, the gallery district, and many artists draw inspiration from books that line the shelves there.

The third annual "New York Art Book Fair" hosted by Printed Matter was held at an auction house called "Phillips de Pury & Company" in the fall of 2008. Their office spans an entire floor of a large building in Chelsea that even houses a photographic studio. Over 140 companies gathered at the fair including art publishers, art magazines, art galleries and photography book dealers.
 
I had a chance to interview David Schoerner, the owner of "Hassla Books" which was named after his family farm in Sweden. After David studied photography in Boston, he moved to a small studio in Alphabet City in Manhattan and started his own business two years ago.

Working one-on-one with artists, he edits and designs books that truly encompass the essence of the artist. He prints a limited run of 500 copies per book and sells them online and at smaller art book stores. Printed Matter is not just a place for artists to brain storm. It also plays an important role in supporting independent publishers and artists.

Ihei Kimura

「木村伊兵衛のパリ」ソーホーのブティックにて

　ニューヨークのソーホーと呼ばれる地区は、クリエイティブな人が集まるお洒落な町。10年前には数多くあったギャラリーは、倉庫を改造して作られた大きなスペースのあるチェルシー地区へ移り、今やブランドのブティック街へと様変わりしました。

　イギリスのファッション・デザイナー「ポール・スミス」のブティックが、ソーホーにあります。メンズの服を主に扱いつつも、店内には洋服だけでなく、彼のセレクトした食器、小物から、写真集まで置かれる多彩なラインナップ。ファション・フォトグラファーとして有名なアービング・ペンの写真集から、ファッションに限らず、建築、園芸、フランシス・ベーコン等の作品集まで、クリエーターのインスピレーションになるような写真集が揃っています。先日訪れた時には、写真集「木村伊兵衛のパリ」が置いてありました。

　この写真集は、2006年に朝日新聞社より出版され、2007年に銀座・エルメスのギャラリーとライカ銀座店にて、作品の展示がありました。内容は、木村伊兵衛が1954年から55年にかけてパリを撮ったカラーの写真。パラパラとページを捲らせてもらうと、少し色あせたような、淡い色調のパリが見えて来ます。画家に限らず、誰しもが憧れる「花の都パリ」を、アンリ・カルティエ＝ブレッソン、エド・ヴァン・デル・エルスケン、ロベール・ドアノー、ウィリー・ロニスと名前を挙げてもきりがない程数多くの作家が、写真としてパリの街を残してきました。特筆すべきは、上に挙げたどの写真家の作品もモノクロであること。その時代のパリのカラー写真は、かなり珍しいのではないでしょうか。

　ギャラリーが無くなってしまっても、ソーホーは買い物に出かけるだけの町ではなく、やはり何かを得られる所だと思います。『木村伊兵衛のパリ』もまた、クリエーターに刺激を与え、50年代の古き時代から新しい物を作り出す源となるのでしょう。

Creators gather in Soho, one of the most fashionable districts in Manhattan. During the past ten years, most art galleries in Soho moved to Chelsea, a warehouse district, and boutiques took over the gallery spaces in Soho rebranding it into a shopping district.

Paul Smith, the British fashion designer, has a boutique in Soho. Even though it is a men's clothing store, you can find housewares, accessories and books there as well. There is a wide range of books at the store including a book of photography by Irving Penn, a notable fashion photographer, as well as those spanning architecture, gardening, and art books such as one by Francis Beacon. The other day, I came across "Paris" the book of photographs by Ihei Kimura, one of the Japanese masters.

The book was published in 2006 by Asahi Shinbun Publications. In 2007, some of the photographs in the book were exhibited at Helmes Gallery and at Leica Gallery both in Ginza. He was commissioned by Fujifilm to photograph Paris. The color photos in the book were taken between 1954 and 1955. As I flipped through the pages, faded colors of Paris appeared in front of me. Those were the days when not only painters but also photographers longed for Paris. Some names popped to mind: Henri Cartie=Bresson, Ed Van Der Elsken, Robert Doinouse, Willy Ronis and more. However, all of the above photographers photographed Paris in black and white. It was really rare to see color pictures of Paris of that time period.

Even though there are almost no art galleries in Soho, it is still an area that attracts artists who come in search of the je ne sais quois. And for those who come searching, I believe that these old pictures spark a fire in their imagination to create anew.